Il lavoro di Tracy Girdler è affidato alla capacità e all’arte dei buoni osservatori.
“L’occhio”, come scriveva Brian O’Doherty “è un organo molto sensibile, addirittura nobile (…). L’occhio è un conoscente permaloso, con cui bisogna mantenere buoni rapporti. Viene spesso interrogato con un certo nervosismo e le sue reazioni, sono accolte con rispetto. Bisogna pazientare mentre lui osserva – essendo l’osservazione la sua funzione specializzata”.
Per comprendere la pittura di Tracy è necessario che Occhio, estata per eccellenza e Spettatore, soggetto concettualmente attivo, collaborino dinamicamente
Un gioco di scambi d’informazione velocissimo, guidato dalle mani dell’artista.La pittura di Tracy Girdler tecnicamente è vicina alla scuola dell’Informale, ne ha assunto la forza, la capacità di intendere il colore come materia, la volontà di includere elementi “ruvidi” nella pittura del Vero, che non significa rappresentare quello che sembra, ma avvicinarsi il più possibile a quello che realmente è. Come quando l’artista sente il bisogno di assorbire nella sua pittura pezzi di materiali assunti dal reale: come le tele ricche di trame, che nel lavoro di Tracy si confondono con il colore nel momento in cui esso le ricopre e le possiede.
La pittura è sovrana, materia sensibile che non accetta di essere plasmata, allora il meccanismo diventa inverso: le immagini di Tracy non prendono forma dal colore, ma è il colore che trattiene l’anima della forma e all’artista è affidato il compito di liberarla attraverso il gesto pittorico.
Le forme di Tracy, sono immagini di un presente che l’artista vive in maniera attiva, assolutamente consapevole o immagini che rispondono ad una verità emozionale vissuta nel passato; sono immagini incise nella memoria come foto sensibili di un istante e di un concetto. Rappresentano esperienze profondamente vissute, fino al punto di riuscire ad astrarne pittura pura, per sublimarne l’effetto.
L’artista dipinge le andate e i ritorni che hanno caratterizzato la sua vita di viaggiatrice: quello che ha incontrato, quello che le ha suscitato ogni incontro che Tracy sembra vivere sempre con incredibile sorpresa ed intoccabile meraviglia.
Girdler è cittadina del mondo e la sua arte ne è testimone.
Poi, poi c’è Roma. La sua Roma. Lo sguardo su Roma e i suoi Portoni è quello di un’amante gelosa, che non vuole condividere se non con chi possa comprendere la bellezza e il significato di porte chiuse: antiche glorie, antiche miserie, superbe maestranze. Un pezzo di storia dell’umanità che non prevede emozioni a metà, ecco perché Tracy ama.
E Tracy ama per mezzo della sua pittura, controllando l’immagine con un gesto che incide l’essenza della forma sul supporto, senza possibile tradimento, distrazione o alibi.
Quello che accade sulla tela, è espressione esatta dell’evento dell’incontro e la stessa opera diviene sintesi di un accadimento descritto attraverso una selezione di tinte pure, che raramente si mescolano se non su tono e quando il tratto diventa deciso e carico, il loro accostamento al bianco e al nero, intesi come pigmenti saturi, è momento simbolico: la mente s’appaga e la memoria gode del tempo.
La costruzione delle sue opere è geometrica anche quando dal quadro sembra venir fuori un’impressione d’astratto. Tracy è incredibilmente libera perché sempre perfettamente cosciente. E ha percorso le strade di Roma troppe volte per non imprimere nel suo segno pittorico, l’esattezza del cardo e del decumano, guide e mezzi del viaggio.
Il senso del viaggio è la chiave della pittura di Tracy Girdler e la sua continua ricerca. In lei vive una forte consapevolezza della storia, dei paesi che visita, della gente che incontra. Tracy si lascia affascinare: vive, abita, ritrae per poi ripartire e ricercare nuovo.
I frammenti della storia che incontra lungo il cammino, sono continuo invito e motivazione per la pittura di Tracy;
esattamente quello che scriveva Benjamin rispetto alle antichità:
“ …sono come i ladri nascosti all’angolo della strada, pronti ad attaccare i passanti con le loro armi e a derubarli delle loro certezze”.
Romina Guidelli
The Painting of Tracy H. Girdler: An Introduction
Given the imprint of her background, it is no surprise that Tracy H. Girdler is an inveterate collector and maker of images. From years of first hand exposure to the urban and art historical fabric as a young woman in Spain, and Brazil, but especially after coming of age in Rome, Italy, this child of the American diplomatic corps (with grandmothers on both sides accomplished painters) trained her eyes on the incessant historical textures of the city and its endless surprises around every corner.
Photography of architectural details—especially that of sacred as well as generally overlooked mundane portals, shuttered wooden, sometimes dilapidated doors, as well as compositional structures from these entranceways—exist as a great and renewed reference for Girdler’s mind’s eye. The photographs are an image bank and impetuous but reliable note-taking for her thoroughly abstract painting. She has compiled some of her hundreds of images into small books that she distributes to friends. Unlike the doors she favors, the books of course are meant to be opened.
The artist loves the suggestions of depth accrued through time in the heavily paint coated door surfaces that she photographs. They inspire her own “creative urge” to invent highly textured surfaces for her paintings. Certainly the overall compositional devices of Italian Renaissance altarpieces also resonate from afar. It is fascinating to glean how the proportion of wings in an altarpiece guide her preferred tall vertical painting dimensions, and the role of the lowermost thin rectangular predella panel in the altarpieces seems frequently to have migrated into her painting as an anchoring device for the bottom fifth or so. There is also the motif of the cross that many viewers discover in her work. It is perhaps less the cross and more grid structures, or the partial grid, the crossing of vertical and horizontal that is another ode to Rome’s imagery in the work, one made to function compositionally.
Girdler has been making oil paintings for “as long as I can remember,” and she spent a good part of that period experimenting in mixed media, increasing her self-and artistic knowledge. Girdler’s love of texture has never diminished. While the works can be said to bear a surprising relation to 1940s and 50s abstract painting in their physical rigor, their Latin and Latin influenced surrealist character is also potent. (Consider Wifredo Lam, Matta, or Conrad Marca-Relli, born Boston.) The play of light and dark in earth colors, automatism, seeing edges as volumes, as well as change and mutation are values she cherishes and puts to her own use. The exploratory modernist works to which she was exposed as a child, moving with her parents to various diplomatic assignments internationally, continue to underlie and play a stimulating role in her work.
Experience in printmaking, especially etching, is another source for Girdler’s continuing contrasting texture fascination. She learned printmaking as a teenager and it has helped her image the simulacrum of cheesecloth or fish netting. These cord-like textures seems to be glued and painted upon in her work, but never are. Instead, Girdler laboriously creates the look and feel of patterned netting through weaving the paint itself, certainly a kind of collaging. Her dexterity, and very fine manipulations here may also owe to a time in her life spent assisting editing (of course in analogue mode) for filmmaker Lina Wertmüller, requiring meticulous hand taping of each frame, including white pencil marking, cutting, and re-connecting through taping. In Girdler’s painting, the prominent netting element tends to slide from surface into pictorial space, trailing beneath the surface layer, a maneuver that carries the eye into more of a shallow space in which all kinds of other painterly gestures are made.
Lately, Girdler has allowed a sparer, white ground to remain on her surfaces. She also feels a need to paint in a larger format. Perhaps, she says slyly, painting on a set of monumental old doors will be her next project. If so the next stage will, no doubt, metaphorically open the door to yield new perceptions and paths of investigation both for this committed painter and her increasing number of avid viewers.
—J. Tolnick Champa
Judith Tolnick Champa is Editor-in-Chief of Art New England magazine, a bi-monthly publication on contemporary art and culture based in Boston, Massachusetts, USA. She serves on the executive board of NEMA, the New England Museum Association and co-chairs its Advocacy Committee; is an invited member of ArtTable, New York; IKT, the international curators of contemporary art association, and is a member of AAM, the American Association of Museums and CAA, the College Art Association.
Judith is an unusual hybrid who has worked with a diverse body of artists, emerging and established. She has curated hundreds of exhibitions independently, in all media, modern and contemporary. She has also partnered with many other contemporary curators and navigated all phases of exhibition development for institutional settings as well as alternative sites, with awards for inter-disciplinary scholarly collaboration and for enhancing diversity. She has presented professionally to a wide range of audiences and advised on national panels and juries. Judith has taught at Rhode Island School of Design, and served widely as an independent curator and art critic, including artforum.com. Among several other projects she curated the focused group show “Extravagant Drawing” for Dorsky Gallery Curatorial Programs in New York and was guest curator, invited by Long Island City Artists, for what became a five venue exhibition, “Trans-Positions along the Queensboro Bridge: Contemporary Art Production Bridging the Boroughs” on the occasion of the Centennial of the bridge connecting Queens and Manhattan.
Tolnick Champa served as director of curatorial affairs at Brown University’s David Winton Bell Gallery and later held a productive career as director and curator at the former Fine Arts Center Galleries, University of Rhode Island. Tolnick Champa holds an MA from Brown University in the History of Art and a BA magna cum laude with honors in Art History from Brandeis University.
La pittura di Tracy H. Girdler - J. Tolnick Champa
Conoscendo il suo background, non soprende che Tracy sia una instancabile collezionista e creatrice di imagini. Attraverso anni di contatto diretto con le realta urbane e storiche di Spagna e Brazile, ma soprattutto dopo essere maturata come giovane donna a Roma, questa figlia di diplomatici americani (con ambedue le nonne pittrici affermate) é maturata artisticamente sulla moltitudine di strutture storiche e sul tessutto urbanistico delle città, caratterizzato da infinite sorprese che si rivelano ad ogni angolo.
La fotografia dei dettagli dell’architettonici, specialmente quella di portoni di chiese, e di palazzi antichi, persiane di legno socchiuse e porte che mostrano i segni del tempo, costituisce per l’anima osservatrice di Girdler un riferimento significativo e sempre rinnovato.
Le fotografie sono, una banca di immagini ed un tacquino prezioso e affidabile, per la sua pittura profondamente astratta. Tracy ha riunito alcune delle centinaia di immmagini in piccoli libri che ha regalato a i suoi amici. Al contrario delle sue predilette porte, i libri sono fatti per essere aperti.
L’artista ama le suggestioni di profondità accresciute dal tempo sulla superficie di porte, pesantemente ridipinte, che fotografa.
La ispirano nella sua “necessità creativa” di inventare le superfici a struttura “tessuta” dei suoi dipinti. Certamente si sentono risuonare in lontananza le complesse composizioni dei polittici del Rinascimento italiano.
È affascinante cogliere come anche la proporzione delle ali di un polittico la porti verso le alte proporzioni verticali che sceglie per i suoi dipinti, ed il ruolo dei leggeri rettangoli che formano la predella, nelle parti più in basso di un polittico; predella spesso migrata in fondo, circa alla quinta parte dell’opera, come un espediente che l’ancora lì, alla base.
C’è anche il motivo della croce, che si scopre guardando i suoi lavori. Forse è meno la croce, piuttosto che le diverse strutture reticolari, o dei reticolati incompleti, insieme all’incrociarsi di linee verticali ed orizzontali che, nel suo lavoro creato per funzionare in una composizione, offre un’ode all’immaginario di Roma.
Da che Tracy Girdler ricordi, ha sempre dipinto quadri ad olio, ed ha passato buona parte di quel perodo sperimentando in contesti diversi, accrescendo la conoscenza di se stessa e dell’arte. Il suo amore per la fisicità delle superfici non è mai diminuito. Si può anche dire che i suoi dipinti presentano una relazione sorprendente con la pittura astratta del anni ’40 e ’50, attraverso il loro rigore fisico, e contemporaneamente ad una potente influenza del carattere surrealista latino e di influenza latina (per esempio Wifredo Lam, Matta o Conrad Marca-Relli, nato a Boston). Il gioco di luci ed ombre nei colori della terra, l’automatismo, l’interpretare i bordi come volumi, i cambiamenti e le mutazioni, sono tutti valori a cui tiene particolarmente e utilizza ad uso proprio. I lavori di esplorazione modernista a cui è stata esposta da bambina, nei suoi continui spostamenti determinati dai destini diplomatici dei genitori, continuano a porsi alla base del suo lavoro ed a svolgere un ruolo di stimolo.
La sua esperienza nella stampa, specialmente nell’acquaforte, costituisce un’altra fonte ispirazione per i contrasti delle trame. Ha imparato a stampare da ragazza, e questo l’ha aiutata a rendere l’immagine simulata delle tele o delle reti da pesca. Nelle sue opere queste “superfici tessute” sembrano essere incollate e dipinte sopra, ma non lo sono mai. Girdler, invece ricrea laboriosamente l’aspetto ed il rilievo di un disegno a reticolo “tessendo” la pittura stessa, come in una specie di collage. La sua abilitá ed un’attenzione speciale nelle manipolazioni delle trame, potrebbero essere il frutto del tempo trascorso nel mondo del cinema, come assistente all’edizione di Lina Wertmüller, un lavoro che richiedeva un meticoloso assottigliare dei bordi di ogni piano, includendo il segnare alla matita bianca, il taglio ed il rassemblaggio con il nastro adesivo. Nella pittura di Girdler, gli elementi prominenti di costruzione a rete tendono a slittare dalla superficie nel contesto dello spazio, trascinandosi al di sotto della superficie pittorica, in una manovra che conduce l’occhio a più di uno strato poco profondo in cui si compiono altri gesti pittorici.
Negli ultimi tempi Girdler ha dato spazio nelle sue superfici ad un fondo bianco più sobrio. Sente inoltre la necessità di dipingere in formati più grandi. Forse, dice sorniona, il suo prossimo progetto sarà dipingere su vecchie porte monumentali. Se sarà così, la prossima fase la porterà senza dubbio ad aprire, metaforicamente, la porta che permettera nuove percezioni e sentieri di ricerca, sia per questa pittrice così dedita, che per il numero sempre crescente dei suoi entisiasti ammiratori.
- J. Tolnick Champa
Judith Tolnick Champa è Direttrice-Capo della rivista Art New England, una pubblicazione bimestrale di arte e cultura contemporanea con sede a Boston, Massachusetts, USA. È membro del comitato esecutivo della NEMA, il New England Museum Association, e co-presiede la commissione Advocacy. E' 'membro ospite ' di ArtTable, New York; IKT, l'associazione di curatori internazionali dell'arte contemporanea; ed è membro di AAM, l'American Association of Museums, e di CAA, la College Art Association.
Judith è un ibrido insolito che ha lavorato con un corpo eterogeneo di artisti emergenti e affermati. Ha curato centinaia di mostre in modo indipendente, in tutti i media, moderni e contemporanei. Ha inoltre collaborato con molti altri curatori contemporanei e ha navigato tutte le fasi dello sviluppo espositivo per ambienti istituzionali nonché i siti alternativi, ricevendo riconoscimenti per la collaborazione
inter-disciplinare e accademica e per promuovere la diversità. Ha parlato professionalmente ad una vasta gamma di ascoltatori e ha dato consigli su dei pannelli e delle giurie nazionali. Judith ha insegnato alla Rhode Island School of Design, e ha lavorato molto come curatrice indipendente e critico d'arte, tra cuiartforum.com. Tra gli altri progetti ha curato la mostra di gruppo concentrato "Disegno Stravagante" per Dorsky Gallery Curatorial Programs a New York. E' stata anche curatrice ospite, invitata da Long Island City Artists, per quella che divenne una mostra a cinque sedi, "Trasposizioni lungo il Queensboro Bridge : Produzione di Arte Contemporanea che collega i Comuni" in occasione del Centenario del ponte che collega Queens e Manhattan.
Tolnick Champa è stata inoltre direttrice degli affari curatoriali presso la David Winton Bell Gallery di Brown University e successivamente ha avuto una carriera produttiva come direttrice e curatrice presso l'ex Fine Arts Center Galleries, University of Rhode Island. Tolnick Champa ha conseguito un Diploma Master presso la Brown University in Storia dell'Arte e una laurea "magna cum laude" in Storia dell'Arte presso la Brandeis University.
A pintura de Tracy Girdler: Uma Introdução - Judith Tolnick Champa
Dada a história de sua familia, não é surpresa que Tracy Girdler seja uma inveterada colecionadora e fazedora de imagens. Depois de anos de exposição a um tecido urbano e de arte histórica como uma jovem na Espanha e no Brasil, mas especialmente depois de amadurecer em Roma, esta filha de diplomata americano (com avós, nos dois lados, reconhecidas artistas) treinou seu olhar nas incessantes texturas históricas da cidade e em suas infindáveis surpresas a cada esquina.
A fotografia de detalhes arquitetônicos – especialmente de portões sagrados e também daqueles vistos como mundanos, portas por vezes dilapidadas, com portadas de madeira, assim como as estruturas que compõem estas entradas – existe como uma grande e renovada referencia ao olhar de Girdler. As fotografias são um banco de imagens e anotações impetuosas e confiáveis para sua pintura notadamente abstrata. Ela compilou algumas de suas centenas de imagens em pequenos livros que ela distribui aos amigos. Ao contrário das portas de que ela gosta, os livros são supostos de serem abertos.
A artista adora as sugestões de profundidade adquirida ao longo do tempo nas superficies pesadas de tinta que ela fotografa. Elas inspiram sua própria “ urgência criativa” ao inventar superficies altamente texturizadas em suas pinturas. Certamente os artificios na composição de altares da Renascença italiana também vem de longe. É fascinante perceber como as proporções das seções de um altar orientam a escolha de suas dimensões altamente verticais. Há também o motivo da cruz, que vários espectadores descobrem em sua obra. É talvez menos a cruz e mais as estruturas matriciais, ou a estrutura parcial, o cruzamento do vertical com o horizontal, que sejam uma ode ao imaginário de Roma em seu trabalho, feito para funcionar como uma composição.
Girdler vem fazendo pinturas a oleo “desde que me lembro”, e vem experimentando técnicas mistas em grande parte deste período, aumentando seu auto-conhecimento e sua técnica artística. A paixão de Girdler pela textura nunca diminuiu. Enquanto pode-se dizer que seu trabalho tem uma relação com a pintura abstrata dos anos 40 e 50 em seu rigor físico, o caráter surrealista de sua influencia latina também é potente. (Considere Wifredo Lam, Matta ou Conrad Marca-Relli, nascido em Boston). O jogo de luz e sombra em cores terrosas, o automatismo, o ver as bordas como volumes, assim como alteração e mutação são valores que ela valoriza e põe em uso. Os trabalhos de exploração modernista a que ela foi exposta em criança, mudando com seus pais a varios postos diplomáticos pelo mundo, continuam subjacentes e tem um papel estimulante em seu trabalho.
A experiência em gravura, especialmente o entalhe, é outra fonte contínua de fascinio para Girdler, pelo contraste de texturas. Ela aprendeu a fazer gravura na adolescência, e isto ajudou-a a simular o efeito de gaze ou de rede. Estas texturas de cordas parecem estar coladas e pintadas sobre o seu trabalho, mas nunca estão. Em lugar disso, Girdler cria laboriosamemente o efeito de rede estampada através do trançado da própria tinta, certamente uma espécie de colagem. Sua destreza e manipulação delicada pode dever-se a certo periodo de sua vida em que trabalhou como assistente de edição (analógica, claro) da cineasta Lina Wertmuller, o que requeria uma colagem meticulosa de cada fotograma, incluindo marcações com lápis branco, cortes e reconexões através de colagens. Na pintura de Girdler, o elemento proeminente da rede tende a escorrer da superfície ao espaço pictórico, caminhando abaixo da camada da superficie, uma manobra que leva o olhar para mais um espaço mais raso onde outros gestos estéticos são feitos.
Ultimamente, Girdler tem permitido um fundo branco mais despojado em suas superficies. Ela sente também necessidade de pintar num formato maior. Talvez, diz ela com astúcia, pintar numa série de portas antigas monumentais seja o seu próximo projeto. Neste caso, o próximo estágio vai, sem dúvida, abrir metaforicamente a porta a novas percepções e caminhos de investigação para não apnas esta pintora dedicada como para seus ávidos espectadores.
Judith Tolnick Champa é editora-chefe da revista “Art New England”; membro executivo da Associação do New England Museum e membro convidado do ArtTable New York.